MTV World Design Studio

Siguiendo el reciente post sobre Buck y su trabajo para MTV, hemos decidido dedicar un post al MTV World Design Studio. ¿Qué es exactamente esto? Ni más ni menos que una unidad creativa repartida entre New York, Milán, Tokyo y Buenos Aires, y que nació con la intención primordial de elaborar piezas artísticas para MTV (la mayoría de las cuales han ido ilustrando maravillosas cortinillas en TV durante los últimos años) y definir visualmente a los más de 60 canales que MTV tiene repartidos por todo el mundo.

Aunque poseen una estructura propia, muy a menudo colaboran con empresas de todo el mundo para llevar a cabo determinados proyectos. Entre ellas, Buck, Passion Paris y muchas otras. Su canal en Vimeo recoge buena parte de sus obras y es un lugar enorme en el que perderse y maravillarse con casi 100 propuestas audiovisuales de lo más diversas.

Más información: MTV World Design Studio en Vimeo

R.

Canción de amor para un vampiro

Lo primero que me veo en la obligación de hacer, es pedir perdón a R. por publicar el post que vais a leer. Él se esmera entrada tras entrada en nutrir a este blog del contenido de calidad que le caracteriza y lo hace con una regularidad, cuidado y cariño innegables. Yo creo que no he escrito ni una quinta parte que él desde que lo abrimos, y reconozco que mis aportaciones siempre han sido más insustanciales que las suyas. Pero es que esta que voy a hacer, y lo reconozco, tiene la sustancia de un suspiro de colibrí. Aún así, ahí va.

Será por el calor, el verano, las noches sin dormir que me regala mi pequeño vampiro particular, el cansancio... que el otro día, sin venir a cuento y después de cantarle a mi hijo Mael un trozo de una conocida canción, me vino una pregunta a la cabeza: ¿habrán escrito esta canción para un vampiro?
 
Y lo más sorprendente, al instante me vinieron a la mente DOS canciones más que parecían hablar también directamente de un no muerto. Me pareció tan relevante en aquél momento que lancé a R. la hipótesis de la que nace este post, ¿y si existen canciones que no parecen vampíricas, pero resulta que sí lo son? Yo personalmente, tengo la teoría de que las hay a puñados. Y en este post, voy a desenmascarar al menos tres de ellas.

Hotline Miami

Hacía tiempo que tenía ganas de escribir algún tipo de reseña sobre Hotline Miami. Por dos motivos esenciales: porque es un proyecto realizado con Game Maker y me interesa ver qué está haciendo la gente con la herramienta de YoYo Games y porque ha resultado ser uno de los grandes éxitos comerciales y de crítica de los últimos meses. Finalmente he podido jugarlo y, ahora sí, puedo ser objetivo con él.

¿Y qué es exactamente Hotline Miami? Para aquellos que no hayáis oído hablar de él, se trata de un videojuego indie, producido por Dennaton Games, estudio compuesto por Jonatan Söderström y Dennis Wedin, dos frikazos de importante calibre. Jonatan, conocido como Cactus, es un programador sueco aparentemente conocido por sus juegos desarrollados de forma ultra-acelerada, lo que justifica su enorme listado de obras hasta el momento. Dennis es músico y artista.

Antes de crear Hotline Miami, ambos habían colaborado en la creación del indefinible Keyboard Drumset Fucking Werewolf, que no sé hasta qué punto definiría como videojuego, pero que sin duda merecería estar en ARCO. Digamos que venía a ser una declaración de intenciones.

1. Historia
Jugando un par de partidas rápidas, podríamos concretar que no hay historia que contar en Hotline Miami. No es realmente así, si bien es cierto que es bastante secundaria. La trama es ambigua, pero existe.

La historia acontece a mediados de los 80. Nuestro protagonista aparece en su apartamento al inicio de cada capítulo y simplemente obedece las órdenes dejadas en el contestador automático por parte de una serie de desconocidos. No tiene nombre ni un carácter especialmente definido, salvo por el hecho de padecer alucinaciones en una especie de realidad mental alternativa, donde tres personajes enmascarados (Richard, Rasmus y Don Juan) dialogan con él. Sumando el hecho de que los acontecimientos no siguen un orden cronológico, nos encontramos con una trama desordenada y plagada de situaciones que en ocasiones pueden o no ser reales bajo el prisma de un narrador poco fiable.

Caótico, pero lo suficientemente intrigante como para que tras unas horas de masacre continuada nos preguntemos sobre los verdaderos motivos del protagonista para llevar a cabo sus acciones, si es que existen.

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2. Desarrollo y sistema de juego
Como suele pasar, este apartado es el que acaba siendo determinante para su éxito. El control se lleva a cabo mediante un pad dual, o en el caso de PC/Mac, la combinación de mouse y teclas de desplazamiento, como en cualquier FPS 3D. El desarrollo es permanentemente simple: 1) Recibimos una llamada, generalmente envuelta en un montón de metáforas que no dejan de ser un 'encargo' para liquidar a alguien. 2) Seleccionamos nuestra máscara para la misión (las hay de diferentes tipos, con diferentes efectos). 3) Llegamos al lugar de la acción y ejecutamos al 100% de los enemigos mediante un proceso de ensayo y error.

Cualquier enemigo puede matarnos con un solo golpe o disparo. Y en general, estos son rápidos e implacables. Las armas de fuego son arrolladoras pero ruidosas, por lo que queda en manos del jugador si recurrir a acciones sigilosas y calculadas o arrasar con todo. Ningún esquema es permanentemente válido.

Las muertes se suceden tan rápido como el propio 'respawn' que nos permite resucitar a la velocidad de la luz, permitiéndonos estrellarnos contra un mismo muro 30 veces por minuto. Este acceso inmediato a la repetición de una misma acción infructuosa es uno de los grandes aciertos del juego y hace que el ritmo de juego sea frenético desde el primer momento. Esta acción mecánica y acelerada, acompañada de rallantes beats sonoros, acaba por convertirse en una experiencia adictiva.

En definitiva, un juego para no frenar y para que el error no sea algo a lamentar demasiado. Se falla, se muere, se reintenta. Ad eternum. En algunas ocasiones, tendremos que medir nuestra estrategia algo mejor, pero lo cierto es que la mayoría de acciones o secuencias de acciones suelen ser bastante viscerales.

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3. Gráficos
Hotline Miami es una de las mayores horteradas que he visto en muchos años. Adoro el pixel art y, por supuesto, cualquier proyecto que utilice resoluciones extrabajas son bien recibidos por mi parte. Pero Hotline Miami es un enorme conjunto de fascinantes despropósitos. Y digo fascinantes porque sus continuos efectos de intermitencias hipersaturadas, sus menús y cabezas parlantes en movimiento constante y sus litros de sangre salpicando acaban por calar hondo en nuestras retinas. Totalmente trash, como todo el conjunto del juego. Y por tanto, seguramente muy coherentes en su contexto.

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4. Música
La música de Hotline Miami es un punto y aparte en el proyecto. Se vende por separado y ha sido uno de los puntos fuertes del juego desde que se puso a la venta. No es para menos. A pesar de lo discreto del conjunto a nivel técnico, la banda sonora se encuentra a un nivel profesional y ha contado con diversos colaboradores, como Sun Araw. Se compone casi estrictamente de cortes electrónicos con un cierto aire añejo y una puntual decadencia sonora que transmiten lo mismo que el resto del juego: una turbia sensación de viaje sensorial alucinógeno. Puede comprarse en Steam o escucharse íntegramente en Soundcloud.

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En resumen...
Hotline Miami es uno de los juegos más extrañamente adictivos e intrigantes que he jugado últimamente. Su planteamiento es intencionadamente irreverente, descuidado y psicotrópico. De no haber sido por su atrevimiento al presentarse en un enorme montón de plataformas con éxito generalizado, no habría pasado de ser una anécdota. Pero Hotline Miami ha sido valiente y descarado y, al menos esta vez, la cosa le ha salido bien. Su éxito está justificado, le pese a quien le pese. Y cuidado, porque su segunda parte está a la vuelta de la esquina y cuenta con un teaser que deja entrever su planteamiento. En esencia, más de lo que les ha funcionado:




Más información: Web Hotline Miami / HM en Devolver Digital

R.

Fostr

Recientemente descubrimos Fostr, un proyecto que apenas ha iniciado su fase beta, pero que parece avanzado en casi todos los aspectos. Contará con una aplicación para iOS y su concepto se basa en dar salida a todas esas ideas que empiezan a desarrollarse y acaban por no concretarse en nada. ¿Cómo? A través de una comunidad que pueda opinar, ayudar, ofrecer unos servicios a cambios de otros y, en definitiva, construir entre todos lo que uno solo no puede.

Además, el funcionamiento global está parcialmente gamificado (término que odio, por otra parte), con un sistema de ranking en base a los colaboradores de mayor calidad y todo un sistema de logros. No es poco ambicioso y sin duda sí muy interesante en un momento en el que no deberíamos dejar morir a las grandes ideas y oportunidades.

La otra cara de la moneda han sido algunos incidentes poco amables relacionados con su diseño, que ha recibido poco afortunadas comparaciones con Vine, y con su website, directamente robado a Applove.

Respecto al primer punto, me gustaría pensar que es fruto de la casualidad (elección similar de verde corporativo) y de una cuestión de tendencias a nivel de ilustración (muy plana, muy icónica y muy colorista). De hecho, el diseño de la aplicación ha cambiado tras la publicación de Vine, para evitar problemáticas y comparaciones. Respecto al segundo tema, un tanto más espinoso, parece que quedó 'arreglado' en un post reciente en el que pedían perdón y hacían las paces con el estudio sueco, aunque eso no quita que su website temporal siga siendo el que es.

En todo caso, una gran idea como proyecto que esperamos vea la luz y dé sus frutos y sepa desembarazarse de ese ligero halo de mal rollo que lo ha salpicado en los últimos meses.

Más información: Website de Fostr

R.

Obsidian Kingdom: Mantiis

Hace poco, mientras buscaba información sobre la tristemente desaparecida banda egarense The City's Last Noise, Mc encontró por casualidad una referencia a un grupo particularmente interesante: Obsidian Kingdom.

Aunque llevan funcionando como banda desde 2005, fue en 2012 cuando publicaron su primera obra de larga duración: Mantiis. En diversos artículos y entrevistas se les ha relacionado con Opeth, cuya influencia han reconocido, pero que en ningún caso supone su mayor fuente de inspiración. Puedo estar de acuerdo en dicha comparación en tanto que el registro vocal se mueve entre extremos y que su calidad instrumentística es evidente, con pasajes doom que rozan lo atmosférico, mezclados con otros que son deudores del black metal más clásico. Ellos mismos han reconocido incluso la influencia de Akira Yamaoka, cosa que creo es evidente en pistas como 'Answers Revealing'. En definitiva, una banda algo difícil de catalogar.

Decir que Mantiis es lo mejor que he escuchado en muchos años en lo que respecta a metal (aunque no se definan como una banda de metal), sin entrar en subetiquetas, no es para nada descabellado y sin embargo sí muy relevante. No porque mi opinión valga nada en absoluto, sino porque como fan del metal, considero que he escuchado y escucho mucho. Y es innegable que hay valor en Mantiis.

Cada uno de los catorce fragmentos del disco están repletos de inspiración, sin decaer en ningún momento ni repetir patrones en exceso. La calidad de su producción es digna de los grandes. Es necesario escuchar el disco no menos de quince veces para apreciar cada matiz del mismo. Os aseguro que Mantiis invita a ello. Lo mejor de todo es que el disco es vuestro desde YA. Podéis escuchar o descargar el disco íntegramente desde Basecamp y, por supuesto, pagar por una copia física del mismo si lo deseáis. La calidad de su trabajo bien lo merece.

El muy notable diseño gráfico vinculado a Mantiis y a la banda en general es en gran parte mérito de Ritxi Ostáriz (junto a Elena Gallen), lo que sin duda explica ese inmediatamente perceptible buen hacer y delicioso acabado que en este aspecto coloca a Obsidian Kingdom en el top 5 mundial en su género. Y no hay más que hablar en este sentido.

Reto a cualquier lector de este blog que se considere fan del metal a escuchar íntegramente Mantiis y poner en duda alguno de los elogios que le dedicamos desde 2Blck. Quiero pensar que Obsidian Kingdom ha empezado a despegar hace poco a pesar de su trayectoria, porque sería una lástima que una banda de semejante calidad haya pasado desapercibida incluso para fans del género.

Más información: web oficial Obsidian Kingdom / Mantiis en Basecamp

R.

La nueva dirección creativa de MySpace

Parece que MySpace estaba herido de muerte y tras algunas idas y venidas y aparentes rescates del olvido, ha pasado a manos de compañías como Specific Media para intentar salvarse de una muerte posiblemente injusta. Y junto a ellos, aparece la inesperada figura de Justin Timberlake, quien a partir de ahora es propietario de MySpace, al menos en parte, y que se ha convertido en el propulsor de este renacimiento, así como responsable de la nueva dirección creativa. Una renovación, no solamente en términos de marca, sino a todos los demás niveles, incluyendo por supuesto una renovada y mejorada experiencia de uso que francamente pinta muy bien.

El nuevo MySpace ha sido recientemente presentado de forma pública mediante un vídeo previo a su estreno definitivo y muestra una marca que regresa a sus orígenes, esta vez amparada por una propuesta en términos de diseño de interfaz de usuario verdaderamente interesante. Aunque nunca he sido un usuario real de MySpace, como diseñador debo decir que lo que he visto en esta presentación me ha gustado y sin duda tiene toda mi atención. Estoy deseando ver si finalmente cumple con las expectativas.

MySpace cuenta ya con una landing page a la espera de su relanzamiento final que aparenta ser espectacular.

Más información: landing page MySpace

R.

Canciones redondas: 'Life on mars?' (1971) de David Bowie

Empezamos con este una serie de posts dedicados a canciones redondas. Ya sabéis, aquellas que según nuestro criterio totalmente subjetivo se merecen la calificación de pequeñas obras maestras. ¿Y cómo son estas canciones? Pues son aquellas que no decaen desde el principio hasta el final, que crecen, que se te meten dentro, que te hacen aprenderte la letra para poder cantarla, que te convierten en un batería sin más instrumento que tus dedos y el escritorio y que cuando acaban no puedes evitar volver escuchar una y otra vez.

Partiendo de ahí, permitidme que empiece con una canción que últimamente estoy escuchando bastante y que es todo un clásico: 'Life on mars?' de David Bowie. Esta canción, para mí completamente redonda, vio la luz en 1971 como single del álbum Hunky Dory y fue calificada en aquel entonces como un cruce entre un musical de Broadway y una pintura de Salvador Dalí (es lo que tenía el Glam Rock).

Lo cierto es que, en palabras de Bowie, quería ser una parodia del 'My Way' de Sinatra y hablaba sobre la reacción a los medios de comunicación de una sensible joven de la época. Pero pese a las escuetas explicaciones acabó siendo una de las canciones con la letra más enigmática y surrealista de la historia, lo que en mi opinión le da el valor añadido de la libertad de interpretación por parte de cada uno de nosotros, característica de toda buena obra.

Para mí la letra insinúa la cortina de humo que suponían y aún suponen los medios de comunicación para la ciudadanía, lo que nos dan para conformarnos y no pensar, y siempre nos dan lo mismo porque resulta que parece que funciona. Lo veo en trozos de denuncia en la canción como: "But the film is a saddening bore / 'Cause she's lived it ten times or more / She could spit in the eyes of fools / As they ask her to focus on". Como he dicho, lo interesante es la interpretación libre que siempre se ajusta a la vida y al bagaje de cada oyente.

Pero además de la letra tenemos la melodía, lo más importante para mí de esta canción. Una batería simple, con un deje metálico que marca los tiempos a rajatabla y un piano que junto a unos violines y una guitarra meláncolica le dan el toque trágico y especial que la hace única. Y la voz… cómo se desliza la voz de Bowie sobre todo ello… con que expresividad dice lo que dice, con qué urgencia in crescendo nos explica la tragedia, la tristeza de lo que está relatando, cómo quiere abrirnos los ojos. A mi juicio, simplemente magistral.

Muchos artistas y muy dispares se han atrevido a versionar este clásico, desde Barbra Streisand a The Flaming Lips o Yann Tiersen, y entiendo que lo han hecho desde la admiración y el gusto por cantarla más que desde la intención, por otra parte imposible, de mejorar al original. Así que no les culparé por ello. Es más, cada vez que la escucho yo también hago mi propia versión personal, porque me es imposible dejar de gritar aquello de: "Sailors fighting in the dance hall / Oh man! Look at those cavemen go / It's the freakiest show / Take a look at the Lawman / Beating up the wrong guy / Oh man! Wonder if he'll ever know / He's in the best selling show / Is there life on Mars?".

Y yo me pregunto como Bowie: ¿habrá vida en Marte? Para irme de este planeta por unas horas, o unos minutos, quizás los que dura esta canción y olvidarme de toda la mierda acumulada en estas tierras, mares y personas. Para crear una fantasía cósmica que me relaje los nervios y me ayude a recuperar alguna que otra fe perdida. De momento tengo que conformarme con pequeños viajes de cuatro minutos con los ojos cerrados y los cascos enterrados en las orejas, pilotados por David Bowie. Viajes que os recomiendo encarecidamente.

Más información:
Canción y videoclip original en YouTube
Letra y traducción de 'Life on Mars?'
Vida y milagros de David Bowie en Wikipedia
Más información sobre la canción en Wikipedia

MC

Tiamat vuelve con The Scarred People

Tras cuatro años de silencio, Tiamat vuelven con The Scarred People, su décimo álbum de estudio tras el satisfactorio Amanethes (2008) que, aunque no logró acercarse a sus mejores obras, sí dejó patente un ligero cambio de rumbo, recuperando por momentos el sonido más duro de sus últimos diez años de carrera.

Las primeras noticias sobre The Scarred People parecían apuntar hacia un disco más atmosférico, cercano al Doom Metal que los hizo famosos con obras como Wildhoney (1994) o A Deeper Kind of Slumber (1997, definitivamente mi favorito). Sin embargo, dos noticias previas al lanzamiento del disco hacían presagiar algo distinto. En primer lugar, tras descubrir la lista definitiva de temas, encontramos Thunder and Lighting, un tema que Johan Edlund compuso realmente para su proyecto en solitario, Lucyfire, y que junto a Black Gold suponían el regreso de la faceta más rock del músico sueco.

El hecho de que formase parte de una selección de diez temas (si descontamos bonus tracks entre los que se encuentran las versiones en directo de temas de 2005 como Divided o Cain), hacía presagiar una falta de ideas inquietante. No fue menos sospechosa la presentación del álbum a través del vídeoclip del tema The Scarred People, claramente más cercano a Judas Christ que a Clouds, por nombrar dos discos suficientemente dispares. Buena producción, pero con un carácter cercano al rock gótico.

Algunos críticos que tuvieron la oportunidad de escuchar el disco en primicia, ya advirtieron que el arranque del disco (con el tema The Scarred People) era, curiosamente, lo más flojo del disco. Extraño que lo usasen como reclamo comercial. Una vez escuchado el disco íntegramente, efectivamente podemos decir que The Scarred People es mucho más que Thunder and Lighting o su tema de cabecera.

Su segundo tema, Winter Dawn, da un salto considerable respecto a The Scarred People, tendencia que se hace más evidente al llegar a 384EKteis, recuperando algunas texturas musicales que flotan alrededor del doom. Es a partir de este tema cuando empezamos a tener la sensación de que definitivamente The Scarred People es un disco inspirado. Sin embargo, el resto de temas parecen fluctuar entre aquellos que bien podrían haber formado parte de Prey (Radiant Star o The Sun Also Rises...) o aquellos que revisitan etapas como la de Skeleton Skeletron o Judas Christ (Messinian Letter o Thunder & Lighting, p.e.), acompañados de un cierre fantástico, aunque breve, con los temas Tiznit y The Red of the Morning Sun. El resultado es un álbum con un carácter general algo irregular.

Es justo decir que Tiamat no ha regresado al Doom Metal que prometía pero tampoco da pasos atrás. The Scarred People podría ser definido como una continuación de Amanethes, sin ánimos rupturistas, con momentos excitantes y memorables pero que, en mi humilde opinión, no llega a ganar un status privilegiado dentro de la discografía de la banda sueca.

Roger Öjersson, antiguo miembro de Kamchatka, se ha unido a Tiamat como guitarrista principal, cubriendo la ausencia de Thomas Wyreson, definitivamente retirado como músico profesional. Öjersson ha sido una elección curiosa, llegado de una banda de blues rock, pero su aportación tanto vocal como instrumental ha sido notable en temas como Winter Dawn.

Quizás The Scarred People no sea exactamente lo que antiguos fans esperaban, pero siempre nos quedarán maravillas por las que Tiamat serán recordados, independientemente de lo que el futuro les depare. Larga vida a Hellslaughter y sus colegas.

Más información: Fanpage de Tiamat en FB / The Scarred People en Napalm Records

R.

Émilie Simon

La verdad es que odio Spotify. No tiene toda la variedad que te gustaría encontrar, te meten anuncios en los que te piden perdón por meterte anuncios y encima te prohíben escuchar la misma canción tantas veces como te dé la gana. Es como poner un caramelo en la boca de alguien, dejarle pasar la lengua por su superfície un par de veces y luego decirle: ¡ah, si quieres acabártelo ahora vas y lo compras! Me parece cruel.

Pero gracias a ello me aficioné a las listas de reproducción de Youtube (geniales hasta que a alguien también se le ocurrió meter anuncios en los vídeos) y a algo aún más interesante: saltar entre vídeos de artistas que no había escuchado nunca. Fue así, linkando de un vídeo musical conocido a uno desconocido y a otro aún más desconocido como descubrí, hace ya tiempo, a Émilie Simon.

¡Así que en última instancia: muchas gracias Spotify!

Me sedujeron enseguida las canciones de su primer disco llamado como ella misma, Émilie Simon, y fechado en 2003. Su voz y sus melodías de sonidos amables, especiales, quizás con un toque a lo Björk pero más intimista y dulce, más…¿francés?, empezaron a sonar una y otra vez en mi ordenador.

Graines d’étoiles fue la primera revelación y después, saltanto de link en link fui descubriendo las canciones de sus siguientes trabajos, La Marche de l'empereur (2005), una sugerente banda sonora para un documental sobre el pingüino emperador y Végétal (2006).

A estas alturas del post podría hacer una lista de mis canciones favoritas pero sería demasiado larga, así que simplemente recomiendo la escucha de las canciones y que cada cual elija las suyas propias. Aún así no me aguanto y tengo que destacar Désert, Lise, Il pleut, Graines d’étoiles, Flowers, Chanson de toile, Alicia, Le vieil amant… y freno porque ya lo había advertido, estoy haciendo una lista demasiado larga.

Hay dos discos más, uno de 2009 llamado The Big Machine y otro de 2011, Franky Knight, de los que confieso aún no he escuchado lo suficiente como para opinar. Pero si algo ha demostrado esta artista con el paso del tiempo es que su música es como el buen vino, así que no espero más que otra retahíla de canciones que añadir a mi lista de Youtube.

Si queréis conocer su vida y milagros, están expuestos en Wikipedia, pero si de verdad queréis saber quién es Émilie Simon buscad sus canciones, escuchadlas y dejaos llevar por su atmósfera. Si no la conocíais será un más que agradable descubrimiento.

Más información: Émilie en My space / Web personal / Wikipedia

MC.

††† y Chino Moreno

Chino Moreno presentó hace poco un nuevo trabajo en solitario, alejado del grupo con el que alcanzó la fama a finales de los 80: Deftones.

Su nuevo proyecto es †††, pronunciado 'Crosses' aunque escrito con tres cruces en todos los soportes en los que se habla del grupo. De hecho, su primer EP contiene cinco temas, cuyos títulos contienen al menos una cruz (†). Crosses se presenta como un proyecto sin grandes expectativas de continuidad, tratándose básicamente de una forma de dar rienda suelta a temas que no tendrían cabida con Deftones.

Tras escuchar ††† debo decir que me encanta. La producción está a un nivel más que decente. Chino se muestra más contenido que en su trabajo con Deftones y aunque su voz y su muy reconocible forma de cantar siguen estando ahí, de vez en cuando deja entrever matices no explotados con Deftones, cosa que se agradece y da más sentido si cabe a Crosses.

El último disco de Deftones (Eros) quedó en parada perpetua tras el gravísimo accidente de Chi Cheng, bajista del grupo que se ha mantenido en un coma semi-constante desde entonces. Tras cuatro años, Deftones contrataron a Sergio Vega, bajista de Quicksand y acabaron publicando en 2010 Diamond Eyes, su último disco hasta el momento.

Mientras llegan nuevas noticias de Deftones, Chino nos hace llegar estos temas de forma totalmente gratuita, previa validación por e-mail a través de su página web. Vale la pena descargarlos, no lo dudéis. Lástima que se hagan tan cortos :-)

EP 'Crosses':

1 - †his is a †rick (3:07)
2 - Op†ion (4:25)
3 - Bermuda Locke† (3:42)
4 - †hholyghs (4:26)
5 - † (2:53)

Más información: Web oficial de †††

R.

Deathstars

Hace poco más de dos meses que nuestro amigo Joan nos descubrió Deathstars, un grupo sueco de rock/metal gótico/industrial que al parecer hace estragos desde hace más de 8 años. A eso se le llama llegar tarde. Pero todo tiene su lado positivo y es que podemos disfrutar de su evolución de una tacada, observando con objetividad su progreso estético y el rumbo sonoro que toma Night Electric Night (2009), su último disco publicado.

A sus 4 miembros originales, Bone W Machine (batería), Nightmare Industries (guitarra y verdadero eje musical del grupo), Skinny (bajo) y Whiplasher Bernadotte (vocales) se les unió el modelo, músico y joven actor sueco Cat Casino, que ya aparece en los vídeos promocionales de su último disco y que parece haber llegado para quedarse.

Es complicado definir el atractivo de esta banda. Me cautivó su estética y un sonido tan, tan exagerado, que se encuentra en un interesante límite entre lo serio y lo paródico, y muy muy alejado de la elegancia (dentro de los parámetros de su género) de bandas metal como Tiamat u Opeth, todos ellos suecos. Deathstars pueden parecer un chiste a determinados niveles, especialmente si nos limitamos a ver sus vídeo-clips, pero encierran los elementos adecuados para triunfar entre un espectro muy amplio de edades y en todos sus discos podemos encontrar temas menos comerciales que dejan entrever su talento.

¿Temas por los que empezar? Me decanto por algunos más suaves y oscuros, como Little Angel o Virtue to Vice (probablemente mi favorito de toda su discografía). O bien por otros más agresivos, como The Last Ammunition o Death Dies Hard, que los definen mejor ante el público más mayoritario.

Propuesta musical para cerrar este primer mes de 2011. Personalmente, me han atrapado. Probad suerte y puede que encontréis una nueva banda de interés para vuestros momentos iPod.

Más información: Deathstars

R.

Juliane Heinemann

Hoy me permito una recomendación musical para puestas de sol naranja de primavera cálida, mañanas de domingo lluvioso en la cama o semi-siestas de verano en la hamaca... también aplicable para noches de desvelo creativo, citas amorosas en el comedor con tu pareja o para unos minutos de velas y relax en una bañera a rebosar de agua tibia.

Y dicha recomendación no podía ser otra más que el disco debut de Juliane Heinemann, que últimamente es lo más reproducido en mi ordenador.

Escuchándola, realmente te das cuenta de que no ha inventado la rueda. De que ni su música jazz es especialmente distinta ni tampoco su manera de cantar. De que todo ello te suena a algo que ya habías escuchado antes, pero sólo tienes que dejarte llevar unos segundos por canciones como Aren't you glad to be here? para sentir que en realidad no le ha hecho falta, que en realidad Juliane se ha dedicado a mejorar esa rueda. Tanto, que sin motor ni combustible, y antes de que se acabara la canción, te ha llegado directa al corazón.

No os perdáis su disco debut que puede escucharse y descargarse on-line (hace unos meses de manera gratuita, ahora por un módico precio) en su página web. Escuchadlo mientras os tomáis un café recién hecho en compañía de aquel amigo que hace tiempo que no veis y luego me contáis.

Más información en:
Descarga su disco début
Página de MySpace de Juliane Heinemann

MC

Soap & Skin

Hacía tiempo que no recomendábamos a dos músicos/bandas en un mismo mes. Parece que 2010 nos sorprende con nuevas propuestas musicales. Claro que, en este caso, la propuesta tiene ya un año, ya que el primer disco de Soap & Skin (Lovetune for Vacuum) fue publicado en marzo de 2009.

Soap & Skin es el nombre artístico de Anja Plaschg, músico austríaca nacida en 1990 y que parece tener las ideas bastante claras, porque a pesar de su juventud ya ha despuntado con un estilo propio que bebe de compositores clásicos y modernos a partes iguales. Una mezcla neo-clásica y electrónica con una voz profunda y enigmática. Se le asocian músicos como Björk, Tori Amos, Regina Spektor, Aphex Twin, Clint Mansell o Portishead, entre otros.

Anja empezó a tocar el piano con 6 años y el violín con 14, y al parecer se entregó a su formación musical de forma casi obsesiva. Tras sus primeras composiciones en MySpace y su posterior apadrinamiento por parte de algunos músicos destacados, sus intereses musicales crecieron para extenderse hacia la electrónica, conformando poco a poco lo que podemos ver en su primer disco.

Anja parece haber cautivado al público austríaco, francés, alemán y belga. Si llega a conquistar a un público más 'básico' será todo un logro, ya que su música es bastante poco convencional.

Personalmente la he descubierto a través del tema Thanatos, que me parece simplemente precioso. Os animo a investigar un poco sobre su, hasta el momento, breve pero interesante obra. Muy atentos a Soap & Skin. Esta chica promete.

Más información: Soap & Skin

R.

Die Antwoord

Gracias a Marco Antonio, hemos descubierto a este "interesante" grupo surafricano que nos tiene extrañamente fascinados. Die Antwoord (La Respuesta) son un trío formado por Ninja, Yo-Landi Vi$$er y DJ Hi-Tek, con colaboraciones esporádicas de otros músicos como DJ Leon Botha, que padece síndrome de progeria y parece ser uno de los supervivientes a la enfermedad más longevos del mundo, teniendo en cuenta que su esperanza de vida se encuentra en unos 13 años.

Al ver lo que podríamos definir como su vídeo presentación (Zef Side), uno puede pensar 2 cosas: 1) Es un fake y realmente no hay grupo alguno. 2) Existen como grupo, pero son unos esperpentos. Sin embargo, al investigar un poco más, uno acaba dándose cuenta de que existe un valor artístico generalizado en todo lo que les rodea, incluyendo sus videoclips y su web-site y que tanto su estilo como su valor musical navegan entre lo creíble y lo prefabricado, lo hortera y lo potencial y genuinamente cool.

Sea como sea, parece que hay una opinión generalizada que los define como 'extrañamente fascinantes'. Algo me dice que los vamos a escuchar bastante en poco tiempo. Su primer disco se pone a la venta este mismo mes (Magnetron Music).

Más información: Web Site Die Antwoord / Video Clip 'Enter the Ninja'

R.

¡No! ¡No nos podrán parar!

El pasado 18 de Julio, R y yo asistimos a uno de los mejores conciertos que hemos visto en bastante tiempo. Dos horas de saltos, bailes, cantos afónicos, sudor y risas, muchas risas, todo gracias a unos supremos Celtas Cortos.

No hay mucho que decir que no se sepa ya sobre su biografía-discografía, son muchos años en escenarios los que llevan a sus espaldas y no creo que haya nadie que no les haya oído alguna vez por la radio o tenga algún disco suyo, pero nada de eso es comparable a uno de sus directos.

En este último nos recordaron muchas de esas míticas canciones e incluyeron también algunas de su último trabajo 40 de Abril de cuyos temas nos dejó con la boca abierta una muy original versión de un tema de Björk llamada Abismo.

A nosotros nos encantaron, pese a que el sonido no era para tirar cohetes (sobretodo la voz de Cifuentes, ahí los técnicos pincharon), ese violín, esa guitarra, esa flauta, esa gaita... todas esas melodías se nos metieron de golpe en el cuerpo y consiguieron hacernos mover sin parar, sin sentir el flato o la sed, solo la felicidad, durante lo que duraron las más de 20 canciones de que constó el concierto. Realmente no decayó en ningún momento y ese es uno de sus mayores méritos.

Creo que el buen rollo general y las ganas de marcha de los que allí estábamos consiguieron transmitir a los miembros del grupo que, aunque éramos pocos, como ellos también teníamos ganas de luchar y deseo que se sintieran tan agusto en todo momento como lo estábamos nosotros (¡volved a BCN pronto!).

Para finalizar el post no tengo más remedio que recomendaros, si no habéis asistido aún a ninguno, el directo de los Celtas Cortos siempre que podáis, pero sobretodo si necesitáis que la música celta os lleve lejos de vuestras nubes de tormenta mentales durante unas horas y un espacio donde cumplir la máxima de "baila siempre como si nadie te mirara", una de las mejores terapias contra la tristeza.

Por todo ello, ¡larga vida a los Celtas Cortos!

MC.

Moby: Wait for Me

Despedimos este mes de junio, que empieza a ser realmente caluroso, con un post musical. Nuestro viejo amigo Moby regresa con un nuevo álbum titulado Wait For Me. Tras una carrera plagada de recopilatorios, álbumes de remixes y caras B, Moby sigue tan productivo como siempre y nos ofrece un disco que él define como 'tranquilo y de bajo presupuesto'. Animado por el DIY, Moby pasa de grandes estudios y se monta 'en casa' un disco muy personal que él 'escucharía un domingo por la mañana'. Sinceramente, me preocupa.

Aunque siento un gran respeto por su música (y un cierto desprecio por su persona y sus creencias, dicho sea de paso), lo cierto es que Hotel me pareció bastante aburrido. Tanto su disco 'convencional' como el de compisiciones ambient. Moby ha hecho mejores cosas tanto en temas comerciales como experimentales. No tuve ocasión de escuchar Last Night y no sé en qué punto se encuentra su evolución musical, pero a través de su web he podido escuchar unos cuantos fragmentos de Wait for Me y, francamente, me parece más de lo mismo.

Algo me dice que Moby tuvo su momento de extrema inspiración creativa hace tiempo y será complicado que vuelva a alcanzarlo. Ocurre a menudo. De todas formas, aplaudo su valor al presentar como primer single un tema como Pale Horses. Bastante arriesgado. Habrá que ver si las primeras impresiones son acertadas o no.

Ojo, porque la sección de vídeos es más que interesante, con un buen montón de piezas audiovisuales, entre las cuales destaca Shot in the Back of the Head, dirigido íntegramente por David Lynch, que siempre ha tenido una buena relación con el cine de animación y que tuvo su propio proyecto on-line con la explosión de la era Flash a principios de esta década.

Más información: Web de Moby

R.

Devendra Banhart

La primera vez que oí hablar de Devendra Banhart fue a través de nuestro colega José F. (aka Jetsan). En realidad, nos dedicamos a maravillarnos ante el hecho de que un montón de mujeres consideraran a Devendra un tipo extremadamente bello. Tras analizar algunas de sus fotos y reirnos bastante de él y de los gustos de determinadas personas, Devendra quedó en mi cajón personal de los payasos oportunistas que vienen y van.

Sin embargo, recientemente, y movido por no sé exactamente qué, decidí no prestar atención a su imagen y escuchar su música. Me maravillé al comprobar el poco respeto que mostré ante el talento de este joven artista (1981), que tema tras tema me ha atrapado totalmente.

Devendrá nació en Texas pero se crió en Venezuela, para posteriormente recorrer medio mundo con su música hasta que alguien se fijó en él y tuvo la oportunidad de publicar su primer disco, hace ya unos cuantos años. A día de hoy tiene 6 discos en su haber y un buen montón de colaboraciones y proyectos paralelos de lo más extravagantes. En 2007-2008 se hizo más visible que nunca debido a su relación con la actriz Natalie Portman, que colaboró en su ultra-popular videoclip 'Carmensita'.

Es complicado etiquetar su trabajo. Imagino que no deja de ser folk, aunque habitualmente se le asocien conceptos como el naturalismo, New Weird America, indie folk, freak folk, rock psicodélico... y se le relacione con artistas como Billie Hollyday, Marc Bolan, Jim Morrison, Manu Chao, Nick Drake o Syd Barrett.

Actualmente me encuentro en plena fase de fascinación por su trabajo, debido en parte a sus inclasificables letras, tremendamente naif en ocasiones, pero que esconden más de lo aparente. El eclecticismo es otro de sus rasgos diferenciales. Dicho sea de paso, canta tanto en inglés como en español.

Para aquellos que me conocen, puede resultar extraño que Devendra encaje con mis gustos musicales. Pero puedo afirmar que hay algo extrañamente delicado, apasionante y genuíno en su música. Os recomiendo encarecidamente escuchar cualquiera de sus discos y darle una oportunidad. Puede que Devendra Banhart sea el descubrimiento musical más importante para mi desde Esoterica.

Más información: Devendra Banhart

R.

Warp & TDR

Como comentamos hace poco (y contra todo pronóstico), The Designers Republic, el mítico estudio de diseño de Sheffield, tuvo que cerrar sus puertas tras una etapa de lamentables coincidencias que terminaron por hacer saltar por los aires su estabilidad.

Tras más de 20 años de influyente trabajo, creo que el cierre de TDR ha sido una de las noticias más comentadas de la historia del diseño reciente. Y es que TDR han sido para el diseño lo mismo que fue Bruce Lee para las artes marciales: ese referente que todo el mundo admiraba y que sirvió de empujón para que muchas personas decidiesen convertirse en diseñadores.

El caso es que a través del blog de Michael C. Place (aka Build), he encontrado un enlace desde el que se puede descargar un recopilatorio homenaje a TDR con música de Warp, sello de música electrónica cuya evolución siempre ha ido ligada a la del estudio inglés. Los 'sub-culturales' BosBos han mezclado temas de LFO, Aphex Twin o Autechre, entre otros, hasta completar una pista MP3 de 11 temas. Ignoro hasta qué punto tienen derecho a distribuir un recopilatorio de este tipo, pero en todo caso es un homenaje con sentido y que al menos yo agradezco. Espero que os guste.

A casi nadie le cabe duda de que TDR volverán y que Ian Anderson conseguirá formar un nuevo equipo cuando sea el momento apropiado. Esperamos impacientes su regreso.

Más información: The Death of a Republic

R.

The Riddle

Hace ya muuuchos meses (creo que ya pueden contarse años porque fue en 2006) que os hablamos de Esoterica, una banda inglesa que irrumpió en el mercado del rock-metal con un álbum simplemente sobresaliente, The Fool, en el que ningún tema estaba de más. Realmente, uno de los discos más satisfactorios que recordamos, mezclando tralla y momentos intimistas a partes iguales, con una calidad de producción envidiable para un grupo novel.

Recientemente, han dejado caer el primer single del que será su segundo (y esperamos exitoso) álbum: The Riddle, que se ha hecho esperar muchísimo y que parece previsto para este verano. Dicho single, Silence, es en realidad una versión potente del clásico tema de Delerium, de mismo título. Y la verdad es que tras oir el Silence de Esoterica, el original se queda bastante corto, a pesar de su delicado sonido y de la voz de Sarah McLachlan.

Naturalmente, todo el mundo espera de The Riddle mucho más de lo exhibido en Silence, que no es poco. Pero es que realmente pusieron el listón muy muy alto con su anterior álbum. El single ha ido acompañado de un vídeo clip que fácilmente podréis encontrar en YouTube o en su página web oficial, y que sin duda cuenta con el presupuesto más alto hasta el momento en la historia de Esoterica. En él, podemos ver el cambio estético que ha 'sufrido' la banda y que en todo caso no afecta a la calidad de su sonido.

Como ya comentamos, pudimos presenciar su magnífico directo en su primera visita a Barcelona y esperamos poder volver a hacerlo con su regreso a la Ciudad Condal, que se me antoja inevitable :-) Muchas ganas de tener en las manos su nuevo trabajo. De momento, podéis seguir las noticias relacionadas con la banda a través de su web oficial.

Más información: Web oficial Esoterica

R.

El retorno

Parece que fue hace dos días, pero no voy a engañarme, hace más de una década que compré mi primera cinta de cassette. No recuerdo exactamente cuantos años tenía (¿13?), sólo que compré el Use Your Illusion de Guns 'n Roses, un disco al que le tuve desde aquel momento un especial cariño.

Estos años he encontrado la inspiración entre "November Rain" o "Dust'n'Bones" y ahora, hace unos meses y después de un largo silencio, se "filtra" por Internet una grabación en directo del material nuevo de la banda.

Como podréis imaginar ese material tenía que caer en mis manos. Y ahora que ha salido a la venta, Chinese Democracy, YA es mío.

No he leído ni una sola crítica del disco. Tampoco he visto mucha publicidad de él y no sé si en general ha tenido apoyo, si gusta o no. Pero realmente no importa porque una vez que lo escuchas entero en el cuerpo se te quedan dos sensaciones muy distintas, la de haber reencontrado a los Guns y la de todo lo contrario.

¿Cómo es posible?, pues gracias a Axl Rose. Creo que el único que perdura de la banda original, que ha ido evolucionando con los años a la vez que lo hacía su voz, incorporando instrumentos y melodías nunca antes vistas en ellos, que dan como resultado canciones muy trabajadas y llenas de fuerza que no han perdido la esencia, aunque en ocasiones sí la forma, del último Guns ‘n Roses.

Especialmente destacables 'Better', 'Chinese Democracy' o 'Madagascar', compuestas en parte por el señor Rose, quien demuestra que no sólo de falsetes vive el hombre.

Lo único que no le perdono son las trencitas que se ha hecho...

Más info en Chinese Democracy.

MC.